Introduzione

La liuteria non è una forma d’arte ma di artigianato. Questa affermazione pur dura da accettare da parte di un liutaio è la pura verità . Artisti possono essere considerati invece sia i musicisti che usano gli strumenti musicali, sia i compositori che creano pezzi da suonare (ma non sempre). Personalmente accetto di buon grado di essere relegato fra gli artigiani anziché fra gli artisti in quanto non penso affatto che la prima categoria sia inferiore alla seconda, anzi se la devo proprio dire tutta, un artigiano si deve impegnare molto di più, per il semplice motivo che deve ripetere nel tempo ogni sua creazione, mentre l’artista una volta azzeccata un’opera può vivere tranquillamente tutta la vita di rendita (grazie al copyright). Detto questo esiste un’altra caratteristica del mio mestiere che ha valore assoluto, ed è quella che un liutaio non può imparare a costruire strumenti musicali da solo ma deve essere accettato come allievo da un maestro. Con il semplice acquisto di un libro generico su come si costruisce uno strumento musicale chiunque abbia un minimo di manualità  può costruirsene uno, ma basta che egli abbia un minimo di senso critico per capire subito dopo, che se volesse intraprendere la carriera di liutaio avrebbe bisogno dell’insegnamento di un maestro. Il problema non è costruire un violino, il problema è farlo bene!

Oggi esistono scuole pubbliche e private presso Cremona, Parma, Milano, Gubbio dove chiunque può iscriversi, pagare e dopo cinque anni uscire col suo bel diploma di liutaio. Presentata così la cosa potrebbe sembrare molto positiva anzi non si vedrebbero altre possibilità  di raggiungere tale obbiettivo, ma non è tutto oro quello che riluce. Il primo problema scaturisce dal fatto che sebbene i maestri che insegnano in queste scuole siano professionalmente assai preparati e spesso di chiara fama, si può facilmente constatare che alla fine dei corsi non esistono “bocciati” ed ognuno se ne esce col suo diploma. Ovvio che la selezione è rimandata al mercato col solo difetto che il mercato può eliminare un buon liutaio con scarsa capacità  imprenditoriale e dare chance ad un mediocre con il fiuto degli affari.

In passato non era così. Quando un ragazzo dimostrava attitudine ad una forma di arte come la pittura la musica o la lavorazione della materia la prima selezione avveniva nella famiglia. Assai spesso i genitori sia poveri che ricchi tendevano a obbligare il ragazzo a seguire la professione della famiglia. Solo quelli che avevano una forte propensione ad esercitare un’arte potevano attirare l’attenzione di chi di dovere. Il racconto di Giotto scoperto da Cimabue è senz’altro leggenda ma ritengo che qualcosa di vero ci sia. Molto probabilmente il ragazzo obbligato a guardare le greggi per conto terzi creò al padre o al datore di lavoro tanti di quei problemi che alla fine questi decisero di portarlo in una bottega. Qui solitamente avveniva un’altra selezione, il maestro decideva se accettare il ragazzo oppure no ma non subito, bensì dopo qualche tempo. Se il ragazzo dimostrava interesse e capacità , il maestro lo accettava e stipulava con la famiglia un contratto secondo le leggi vigenti, altrimenti o lo cacciava o lo indirizzava verso altri mestieri per esempio un pittore poteva mandare il ragazzo da un decoratore, un intagliatore da un falegname. Nel momento in cui il giovane entrava ufficialmente a servizio dal maestro cominciava il suo tirocinio che consisteva nell’eseguire all’inizio i lavori più umili ma fondamentali per padroneggiare l’arte. Da un pittore avrebbe imparato per prima cosa a macinare e preparare i colori, da un artigiano del legno avrebbe imparato per prima cosa ad affilare gli strumenti. Durante gli anni a bottega ognuno seguendo le proprie capacità  saliva lungo la gerarchia, più bravo era più veloce avrebbe potuto arrivare al momento in cui il maestro gli avrebbe lasciato la possibilità  di mettersi in proprio ma anche in questo caso rispettando i termini di un contratto (gli poteva essere accordato il permesso di esercitare, ma in città  lontane da quella del maestro o pescando in un serbatoio di clienti non in concorrenza col maestro).

Questa rigida selezione che agli occhi dei moderni potrebbe sembrare “antidemocratica” in realtà  portava le botteghe a formare solo artisti o artigiani e non artisti o artigiani mediocri. Dalla bottega usciva e si metteva a lavorare solo una persona qualificata, altrimenti si poteva rimanere nella bottega di origine tutta la vita come semplice salariato o scegliere altre strade. Oggi questo non avviene ed in nome di una uguaglianza nominale si permette a chiunque di inventarsi un mestiere e di esercitarlo anche senza averne le nozioni di base e soprattutto le capacità . Di riflesso salta subito all’occhio che l’acquirente del passato sapeva che recandosi in una bottega si sarebbe trovato di fronte un professionista qualificato. Quanti possono dire lo stesso oggi? Il diploma di qualsiasi mestiere mette al riparo da esecuzioni mediocri?

La mia storia comincia in una bottega. In essa ho imparato il mio mestiere e posso dire senza timore di essere smentito che il legame che si crea fra allievo e maestro è un qualcosa di speciale che niente (nemmeno litigi furibondi) può spezzare. Dopo anni di lavoro ogni qualvolta mi ritrovo ad intraprendere un’azione mi torna alla mente quello che mi ha insegnato il mio maestro, è un imprinting indelebile che mi seguirà  tutta la vita, anche se la mia personalità  mi spingerà  a seguire diverse scelte stilistiche.

Caratteristica principale di questo mestiere è la certezza che una vita non basta a sviscerarne ogni segreto, chi afferma di non aver più niente da imparare è un meschino e molto probabilmente un mediocre liutaio.

Lavorando una materia viva come il legno ci si rende conto che esiste una sola regola e cioè che non esistono regole. Un albero della stessa specie di un altro dà  legno di qualità  diversa. Uno stesso tronco non dà  legno tutto uguale, le varianti sono dovute al terreno, all’esposizione, al clima, non ultime la stagionatura e la lavorazione. In pratica il lavoro del liutaio, ferme restando le regole fisiche di propagazione del suono è più legato alla sua sensibilità  che a delle vere e proprie procedure (in seguito affronteremo anche la questione del segreto di Stradivari). Un liutaio fra l’altro deve anche avere nozioni di botanica, chimica, fisica, architettura, arte oltre ovviamente ad una grande curiosità  e voglia di sperimentare.

Negli articoli successivi racconterò come nasce un mio strumento dalla ideazione fino alla prova sonora, e questo procedimento è caratteristica peculiare di tutti i Liutai toscani d’oggi.

Come nasce uno strumento musicale

Il lavoro di un liutaio è principalmente teorico, anche se a prima vista potrebbe non sembrare. In realtà seguendo quelle che sono le linee guida della propria scuola un buon artigiano si costruisce prima di tutto nella propria testa lo strumento che vuole costruire.

L’influenza della scuola non è indifferente, perché anche se un violino (ma avrei potuto nominare qualsiasi altro strumento) può alla vista di un profano, essere uguale ad un altro, in realtà chiunque abbia l’occhio esercitato coglie immediatamente la provenienza dello strumento che ha in mano. La liuteria ha raggiunto la sua massima perfezione a cavallo fra il 600 ed il 700 e non solo a Cremona, ma anche a Venezia, Firenze, Napoli, Bologna. Ogni scuola però ha tramandato una serie di caratteristiche che la caratterizzano. Con la Morte di Stradivari e di Guarneri del Gesù, Cremona cessò non solo di essere la patria della liuteria, ma anche di essere un importante porto fluviale sul confine fra Venezia e Milano, la conquista austriaca la condannò a trasformarsi in un centro agricolo.

Per questo motivo gli allievi dei sommi artefici si trasferirono in tutta Italia. Da questa diaspora hanno ottenuto nuova linfa tutte le scuole regionali. Per assurdo si potrebbe affermare che i veri eredi della tradizione classica sono da ricercarsi in tutta Italia.

L’attuale scuola cremonese, pur presentando al pubblico una produzione ottima, in realtà è stata ricreata ex novo dal gerarca di Cremona Graziani (nato però in Molise) durante il ventennio fascista per valorizzare il genio italico. Per loccasione furono ricomprati dai collezionisti i cimeli stradivariani compresi alcuni violini e ricreata da zero la scuola di liuteria.

Questo ha portato ad una certa standardizzazione della attuale scuola cremonese, caratteristica che l’antica invece non aveva e dove la sperimentazione era pratica giornaliera.

A parte questa breve parentesi, dicevamo che il lavoro del liutaio è prima di tutto teorico. Infatti solitamente l’idea della costruzione di uno strumento è dettata il più delle volte dalla scoperta di un legno adatto.

Io prima di tutto mi innamoro di un legno, sul quale con la mente vedo il modello e la forma più adatti a valorizzarlo. Anche la scelta di un legno trae origine dalla scuola di provenienza in quanto alcune scuole tendono a preferire alcune essenze legnose a discapito di altre. Bisogna però anche portare a conoscenza dei lettori del fatto che le scuole che privilegiano il solo acero di monte marezzato (acer pseudoplatanus) di provenienza Europa dell’est, tendono a dare un prodotto più standardizzato ed omogeneo con meno concessioni alla fantasia del liutaio. La scuola Toscana fa eccezione in quanto non esistono regole rigide di scelta dei legni. Anche la tradizione liutaria italiana in genere nell’antichità era più aperta a scelte più disparate tanto che anche i grandi compresi gli Amati, i Guarneri, Stradivari e via dicendo hanno prodotto strumenti con le più svariate essenze legnose. Oggi il mercato globale ha sancito per motivi commerciali, che il legno deve essere solo uno, l’acero di monte, e tutte le segherie propongono legni per liuteria assolutamente uguali fra loro condannando la produzione ad un inevitabile appiattimento.

Personalmente tendo a scegliere anche altre essenze legnose autoctone fra le quali il pioppo nero, l’acero campestre, il salice, il pero, il ciliegio ed il cipresso (in origine sono stati prodotti strumenti in noce, in faggio, in melo).

Quanto detto finora, riguarda esclusivamente la cassa ed il manico, poiché il piano musicale di ogni strumento deve necessariamente essere costruito con una conifera, non solo, deve trattarsi anche di un albero sonoro, cioè alla percussione deve dare una risposta più pronta ed armoniosa della media della propria specie. Questo è un discorso assai importante, in quanto rappresenta le fondamenta di tutto il castello che si vuole andare a costruire.

Non è difficile capire se un albero è sonoro o no, anche un profano può apprezzare la differenza. In Italia esistono le essenze migliori e sono due: l’abete rosso (picea excelsa) e l’abete bianco (abies alba). Il primo è caratteristico di tutto l’arco alpino ed è il conosciutissimo albero di natale, riconoscibile ai più per il semplice fatto che le pigne lunghe e strette sono rivolte all’ingiù. L’altro è caratteristico di tutto l’Appennino e sono visibili a colpo d’occhio le pigne erette.

Quando non esisteva un mercato di legno per piani musicali i liutai si recavano nei boschi con un martello di legno o un normale bastone e cominciavano a percuotere con un colpo secco ogni tronco. La maggior parte dei tronchi rispondevano con un rumore assai simile fra loro, ma quando si colpiva un albero sonoro, seppur della stessa specie degli altri il suono che ne usciva non solo era assai più brillante ed acuto, ma era apprezzabile l’onda sonora che raggiungeva velocissima la sommità dell’albero per poi tornare giù. Quello era l’albero da abbattere, anche se le ragioni scientifiche per cui ciò accade sono ancora avvolte nel mistero. Esistono numerosi studi seri che hanno elaborato varie teorie per spiegare certe caratteristiche ma in tutta onestà non hanno eliminato tutti i dubbi. Certo è che i legni migliori provengono da aree ben precise e non da quelle adiacenti anche se presentano lo stesso habitat. Il più delle volte il legno pregiato presenta una caratteristica ‘maschiatura’ o ‘lumacatura’ che fornisce la prova assoluta della sua provenienza e quindi autenticità.

Per quanto riguarda l’abete rosso quello che dà i migliori risultati si trova in val di Fiemme, per l’abete bianco ci si doveva recare o alla foresta di Vallombrosa o sull’Appennino pistoiese vicino al Corno alle Scale.

Daremo nei capitoli seguenti anche le indicazioni di come deve essere il legno del piano musicale.

Trovato il legno e individuato il modello sul quale si vuole lavorare si deve scegliere la forma che può essere interna (cremonese) o esterna (italiana o francese). La prima permette la costruzione su di essa di tutta l’intelaiatura che comprende gli zocchetti e le fasce e controfasce, la seconda invece permette il montaggio delle parti al suo interno. Non esistono particolari differenze fra le due forme anche se permettono diversi metodi di lavorazione. Io gli uso entrambi, per quanto mi riguarda la forma cremonese più semplice si può creare da una foto in un’ora appena di lavoro con un semplice pezzo di compensato. La forma francese richiede per la sua creazione l’intervento di artigiani con macchinari appositi, ma una volta ottenuta permette di ottenere più velocemente fasce e zocchetti ed una maggiore uniformità nella produzione oltre ad una più facile levigazione delle parti interne delle fasce e delle controfasce. Dopo aver piegato e lavorato zocchetti, fasce e controfasce si comincia a lavorare il fondo, prima togliendo con la pialla e la sgorbia e l’aiuto di centine la parte superiore in eccesso, poi svuotandolo fino a portarlo agli spessori voluti. Sebbene questa operazione possa sembrare banale, in realtà ogni strumento alla fine risulta diverso dagli altri poiché lavorando a mano e senza l’utilizzo di macchinari è impossibile ripetere sempre la stessa bombatura.

L’operazione successiva alla lavorazione del fondo, è il piano musicale, questo è principalmente in abete rosso maschio della val di Fiemme che è il più reattivo alla sollecitazione sonora anche se si potrebbero usare come detto prima, altre essenze. Se per il fondo non sono fondamentali certe accortezze di taglio e di vena, per il piano lo diventano. I giri annuali devono essere perpendicolari al piano stesso e questo si ottiene tagliando in due gli spicchi di abete ed incollandoli in maniera speculare. Questa operazione permette di ottenere una tavola il più possibile omogenea. La storia insegna che si potrebbero anche tralasciare determinati accorgimenti ma deve essere tenuto in considerazione il fatto che ogni indebolimento della struttura comporta un necessario aumento degli spessori per ottenere un certo bilanciamento. A conti fatti la costruzione di uno strumento è un esercizio di equilibrismo fra materiali e tecnica, uniti alla sensibilità del liutaio.

Secondo regole ferree, sul piano musicale lavorato si aprono a punta di coltello e dopo avere individuato la loro posizione precisa, che varia da modello a modello, le effe o fori. Le effe sono la via attraverso le quali il suono esce, senza di esse lo strumento è assolutamente muto. La loro distanza, inclinazione ed apertura sono assai importanti ai fini della sonorità, tanto quanto il posizionamento della catena. Questa è una asta di legno a venatura perpendicolare al piano, incollata in una zona vicino alla effe di sinistra. Col suo perfetto posizionamento si permette il regolare ampliamento delle onde sonore dei registri bassi sulla tavola.

Tagliate le effe e incollata la catena si procede alla chiusura della cassa. Tutte le operazioni di incollaggio sono eseguite con la classica colla a caldo, che oltre ad avere la caratteristica di poter essere tolta a piacere con acqua calda, ha anche il pregio di permettere più incollaggi nello stesso punto senza inficiarne la tenuta.

Con la cassa chiusa possiamo affermare di essere giunti a metà dell’opera.

Non è facile per un nuovo cittadino di Montespertoli, che magari vuole imparare la musica oppure di cercare una scuola di musica per il proprio figlio, trovare gli indirizzi.  Dove si va a cercare?

In questo momento ci sono tre posti a Montespertoli dove si può imparare la musica. Ho chiesto ad ognuna di queste scuole di pubblicare su questo blog qualcosa sulla propria associazione - sono ancora in attesa.  Quindi ho deciso di scrivere io stessa.

C’era una volta la Scuola di Musica Francesco Landino. La sua vita è durata oltre 10 anni e molti dei suoi allievi hanno poi continuato gli studi al Conservatorio e/o si sono diplomati, alcuni lavorano già  nel campo della musica. La scuola si è sciolta nell’attuale Accademia Musicale di Montespertoli, che auguro vita lunga. La sede è la stessa della Landino: via IV novembre (ultimo piano dell’asilo nido ex suore). I locali non sono molto adatti per una scuola di musica, ma visto che non ci sono di meglio per ora….Il numero di telefono di questa scuola, dove si può imparare tutti gli strumenti è: 3460475566. C’è anche un sito: www.accademiamusicaledifirenze.it, accademusicamontespertoli@gmail.com.

Il secondo posto per la musica si trova a San Quirico nei locali della scuola Elementare. La scuola di musica è gestita da un’associazione molto attiva chiamata “Prima Materia”. Per informazione si può chiamare 0571 677115 e chiedere di Henry Brown oppure Deborah Parker. C’è anche un sito: http://primamateria.altervista.org.prima.htm.

Last but not least c’è la Banda di Montespertoli che ha sede in via Montelupo 1 all’inizio, vicino ai giochi. Nella scuola si insegna gli strumenti della banda e quando si diventa bravi c’è il posto assicurato in Banda. Un vantaggio di questa scuola è che è molto economico (credo adirittura gratis).

Perdonatemi se c’è qualche altra scuola a Montespertoli che non ho menzionato - segnalatela!

Lui non c’è più ma la sua musica e la sua grande poesia saranno sempre con noi….

Ciao Faber….ci manchi

Marco Forno

p.s.: a tal proposito segnalo il sito: www.faberdeandre.com

 

 

Vorrei chiedere l’aiuto di quanti leggono questo blog.

Recentemente sono diventata la rappresentante per  Italia di un’organizzazione internazionale chiamata “Amateur Chamber Music Players”. (vd links), e fra poco parte per una conferenza in Svizzera dove dovrei parlare della situazione della musica da camera amatoriale in Italia. 

Nel Nord America e Europa è molto diffusa la pratica di suonare insieme con gli amici la musica da camera, tuffarsi dentro la musica di Mozart, Beethoven, Schubert Brahms ecc scritta per un piccolo gruppo di musicisti (appunto che stanno dentro una “camera”).  Gli strumenti possono essere: gli archi, pianoforte, ottoni, legni, o voci, secondo il brano.  Sono di solito occasioni di socializzazione dove la grande musica si mescola anche con la buona conversazione il cibo e il vino.

I musicisti spesso fanno tutt’altro mestiere che la musica, e quindi suonano per il puro piacere.

 

In Italia, che io reputo il paese della musica, questa pratica non è molto diffusa.  Ed è qui che chiedo l’aiuto dei bloggers.  Come mai?  Io sono arrivata ad alcune considerazioni:

 

!)  I programmi di Conservatorio sono troppo improntate sul solista e non incoraggiano la musica d’insieme;

2)      Chi termina gli studi musicali e tuttavia non trova lavoro nel campo musicale tende a rinunciare alla musica per sempre (forse per senso di fallimento o frustrazione);

3)      Gli orari di lavoro si protraggono fino alle ore 20:00 e quindi dopo cena si è troppo stanchi per suonare (attività che comunque richiede una buona dose di concentrazione);

4)      La classe media agiata è relativamente recente rispetto ai paesi del nord Europa (anni 60) e quindi non ha avuto il tempo di scoprire questo tipo di divertimento che poi è arrivata Sua Maestà Televisione.

5)      La difficoltà di trovare altri musicisti con qui suonare.

Sarei molto grata se potete scrivere il vostro su questo argomento.

 

Prima di chiudere, vorrei raccontare un momento di una tournee che ho fatto con l’Orchestra Bavarian Strings che è venuta in Toscana quest’agosto.  Io sono stata invitata di andare  a suonare con loro.  Innanzi tutto l’età media dell’Orchestra s’aggirava intorno ai 70, ma nonostante questo l’Orchestra era di un’ottimo livello, quasi tutti erano amatori oppure musicisti professionisti in pensione.  Ci sediamo per la prima prova e dopo un po’ arriva una signora anziana (ho scoperto dopo che aveva 82 anni) che si scusava per il ritardo ma aveva trovato traffico.  Aveva guidato 9 ore non-stop dalla Germania DA SOLA, e con calma ha tirato fuori il suo violino e si è messo a suonare la 7° sinfonia di Beethoven!

Credetemi – la musica fa BENE!

Osservando il quadro “Les Danseuses de Delfi” mi ha fatto venire in mente la danzatrice americana Isadora Duncan. Era uno spirito libero, una vera artista e ha aperto la strada alla danza moderna. Era nata nel 1878, nata per danzare. In un’epoca che le donne portavano vistiti che impedivano i movimenti e busti di stecche di balena, lei ballava indossando una semplice tunica e a piedi nudi. Era ispirata alla danza greca come veniva rappresentata sui vasi greci e stava ferma e immobile per ore cercando di sentire il movimento come espressione naturale che si sprigionava dall’anima.
Durante la sua vita artistica diventò una leggenda vivente e ballò in tutti i teatri del mondo. Non credeva nel matrimonio ma mise al mondo due bimbi che morirono tragicamente annegati. Era amica di Gabriele D’Annuzio, Eleanora Duse, Cosima Wagner (la vedova di Richard) e molti altri compositori, scrittori e poeti.
Morì tragicamente nel 1927 strangolata dalla sua stessa sciarpa rimasta impigliata nelle ruote della sua automobile.

All’età di diciassette anni, in casa di un amico entro in contatto per un caso con la musica occidentale ed in particolare con gli strumenti ad arco.  Ramzi scelse di studiare la viola e segui un corso di un mese, anche se la sensazione di Ramzi era che la musica fosse troppo elitaria e distante dai problemi che affiggono la vita quotidiana nei campi profughi.  Ed invece scoprì un mondo, e scoprì anche che la musica era un mezzo per poter uscire dalla disperazione e superare i confini, quelli fisici e anche quelli spirituali, del mondo ristretto dall’occupazione e dalla violenza.

Venne in contatto con altri musicisti e gli fu offerta una borsa di studio per studiare in America, e per lasciare per la prima volta Ramallah.

Non sto a raccontare tutta la vita di Ramzi – chi fosse interessato può guardare il suo sito:  www.alkamandjati.com (al kamandjati vuol dire il violinista).  A Ramzi è nato il desiderio di dare la possibilità ai bambini palestinesi di cambiare la loro vita, come era cambiata la sua.  La musica aveva la capacità di trasformare la vita in qualcosa che valeva la pena di essere vissuta.  Ramzi creò, con l’aiuto di amici all’estero, un’associazione non-profit per finanziare l’educazione musicale.  Fondò una scuola di musica dove attualmente studiano centocinquanta bambini.

La cosa pazzesca è che mentre scrivo queste parole, alcuni di questi bambini si trovano qui a Montespertoli!  Sono stata a trovali oggi durante le prove alla Scuola Elementare di San Quirico.  Sono giunti un paio di giorni fa in Italia, nonostante tutti i problemi burocratici fra permessi e lasciapassare,  per preparare dei concerti.  A Montespertoli il loro concerto si terrà il 3 agosto.  Sono sotto la guida dell’amico Henry Brown, e qui sotto lascio spiegare a lui il progetto che li ha portati qui a Montespertoli:

 

“Scambio Musicale tra “Al Kamandjati”, Ramallah

e “Prima Materia”, Toscana

 

 

Questo progetto tratta principalmente il tema dell’apprendimento tra culture diverse tramite la pratica di fare musica insieme e convivere per un periodo breve ma intenso.  Sia gli studenti palestinesi che quelli italiani coinvolti nello scambio avranno l’opportunità di studiare delle musiche provenienti dall’altro paese nel contesto del patrimonio culturale che rappresenta, nel periodo preparativo e durante lo scambio.  Durante il soggiorno nel paese ospitante, gli studenti son ospitati in famiglia e, oltre alle prove musicali frequentano visite storico-culturali. Si pone l’obiettivo di utilizzare l’interesse condivisa per la musica per creare un ponte di collegamento tra due culture diverse, stabilendo una cornice dentro la quale i partecipanti possono sviluppare una strategia per comprendere stili di vita diverse.  

 

 

 

Questo scambio si sviluppa dopo due anni di contatto intenso tra “Prima materia” “Al Kamandjati”.  Nel 2006, l’associazione italiana ha risposto ad un appello per strumenti musicali dalla scuola di Ramallah.  In collaborazione con l’Università degli Studi di Siena e l’associazione Liuteria Toscana, e con un aiuto di Controradio di Firenze, ha organizzato una campagna di informazione e di raccolta di strumenti, e in seguito si è occupato del trasporto degli strumenti in Palestina, in tutto circa cinquanta, tra strumenti a corde, fiati, ottoni e strumenti didattici.  Inoltre ha collaborato nell’allestimento di una bottega di liuteria presso la scuola in Ramallah, con la presenza durante 2007 di ben cinque liutai dall’Italia per periodi di un mese, che portavano avanti un corso di formazione per giovani liutai palestinesi.  Quest’anno, con un sostegno economico dall’Università degli Studi di Siena, uno degli apprendisti liutai palestinese sarà ospitato in Italia per procedere con la formazione presso la bottega dei liutai Sorgentone e Mecatti di Firenze.

 

Nell’estate 2007 tre insegnanti di “Prima Materia” hanno passato sei settimane in Palestina, lavorando nella scuola di Ramallah e nei campi profughi e villaggi  circostanti.  Si è formata un “orchestra estiva” che ha studiato e eseguito repertorio da un gruppo d’insieme comparabile del progetto italiano. Sul ritorno in Italia, un brano composto da uno studente palestinese è stato orchestrato per gli studenti italiani e eseguito a dicembre.  La registrazione è stata mandata a Ramallah per il giovane compositore.

Da questi contatti umani e musicali, si è sviluppata una naturale curiosità reciproca tra gli studenti palestinesi e italiani, dando spunto per la progettazione dello scambio”.

 

Questo è il sito di Henry e la sua associazione “Prima Materia”:  http://primamateria.altervista.org/prima.htm

 

 

Bibliografia:  Daniel Barenboim - “La musica sveglia il tempo” editore Feltrinelli